BOUNDHEAD

最近またYouTubeで英語圏のインディー系楽曲をいろいろ聴いて回ってます。

数日前に、「Best Indie Discoveries June 2025」のページに集められている各楽曲の動画バージョンを１曲１曲確認していたら、とても不思議な、シンクロニシティ感覚を刺激するような動画に出会いました。

その動画イメージは、今年５月に私が「ジリ・レーンに会え」という題で投稿した記事に付けたイメージ写真とすぐに連結しました。

「あ、もしかしてこの人が、ジリ・レーン？」

と思いましたが、楽曲のアップロード主はJackie Februaryという名義を使っていました。

その名前を見ると、またすぐに「Tommy Februaryと関係ある？」という感じの連想が続きます。「・・・・なわけないよな。でも名前を半分引用してるとかはあるかも」などと思ったのでした。

彼女は赤いワンピースに白い靴下と運動靴姿、そして髪を後ろで結んで背中に垂らしていました。その上からバイク乗りがかぶるような（というよりよく見ると宇宙飛行士系）フルフェイス型の白いヘルメットをかぶっています。

動画の撮影地は東京のようです。彼女自身は日本人なのでしょうか？　それは情報不足で今のところ私にはわかりません。

それで、彼女個人のYouTubeページを検索して訪問してみました。もしかしたら、ヘルメットで顔を隠しているのは、すでに知られているミュージシャンの変名だからなのかもしれませんが、結局そこでも情報が得られなかったので、この見立もアテにならない話です。

いやいや、そもそもミュージシャンとフルフェイス型ヘルメットと言えば「Daft Funk」がいるでしょう(元祖はspaceだという記事有り)。Jackie Februaryはそっち系から印象を得たんじゃないですかと言われたら、「そうかも」と言うしかないです。






ちなみに、余談を少々。これらのミュージシャンたちは、いわゆる昔の言葉で言うところのテクノ系ですが、ドラムもベースも「手（足）弾き」ですよ。こんにちのDTM/DAW系の「オケ」は、（最近特に増えてきているように見える、もっぱら打ち込み作業のみで完結させているように聴こえる、日本のアニメのOPやEDは、そのよい実例です）、すでにカラオケ業界などで当たり前になっているタイプの伴奏制作をしている音楽業界経験者たちへの発注品なのでしょうか？　歌声はまだ「生きている人の声」だとしても、それはカラオケ店で流れる伴奏に合わせて歌っているようなものです。ドラム系の音もベース系の音も鳴っているのに、ちっともビート感がない。「ほんとに鳴っているんだろうか」と思って聴くと、確かに鳴っているけど、「ちっとも音楽的ではない」ので、鳴っているように聴こえない（その傾向についてはブログでも紹介した「The Real Reason Why Todays Music Is Starting To Sound The Same」が解説していましたね。クオンタイズ問題に注目）。まるで往年のアニメによく登場していた、本来は立体なのに、時々押しつぶされてペラペラな平面体になってしまうキャララクターのように「音像が平面の内部に押しつぶされている」ような感覚です。最近ではギターの音までシンセ音源を使っているアニソンもあります。そしてアレンジがその平面体の中で押しつぶされて過度にうるさくなってきている。どんどんひどくなっているように見えます。

話を戻します。私がさらにJackie Februaryの動画に驚嘆したのは、以下のような、私の見た夢と奇妙にリンク感覚を感じさせる動画を見てしまったからです。

この「Arriving on the earth」という題の短い動画は、ヘルメットをかぶった若い女性が、地球に「転移」する物語になっています。この動画が公開された日付は、今の時点で見ると７か月前(2025年2月28日)になってますから、彼女は、私が自分が見た奇妙な夢(2025年5月)についてブログで報告する以前に「異世界への転移」あるいは「タイムトラベル」という私の夢イメージと似たようなイメージの動画を作っていたことになります。

彼女のページのアイコンを見るとますます、私が「ジリ・レーンに会え」という題で書いたブログのページに掲げた写真のイメージと「連想的にそっくりな感じ」がしたので、「これはまったく奇妙でおもしろい」と驚嘆してしまいました。

以下が彼女と私の二つの画像を並べたものですが、なんか共通のフォルムを内包していますよね。

でも、そもそも私が夢のイメージとして掲げた写真は、ウェブ版Stable Diffusionでこさえたものでした（ですから実際には「本来の夢のイメージ」とはまったく似たところがありません）。

夢の中では私はベッドに仰向けに寝ていて、足元に男女がいて、男から「ジリ・レーンに会え」と言われながら、布のようなものをかぶせられ（にもかかわらず同時に顔に装置のようなものを付けられたという二重感覚もあり）、それから自分の右目前に楕円状に現れたイメージ（別世界へ通じるポータルのようなもの？）を通って「異世界」へ移動したのでした。

ジャッキー・フェブラリーの動画では、彼女に異世界転移をするように告げる当局の者たちが、私の夢同様二人出て来ます。ただ動画では「転移の目的」が提示されていませんでしたね。

私の夢の場合は「ジリ・レーンに合え」ですが、なぜジリ・レーンに合わなければならないのか、夢の中では知らされていませんでした。ただ「そのこと」ははしょられていただけで、もっとたくさんの要素（設定）が意識の向こう側に隠れていて、自分はただ「その時」はそれを夢から覚めた時の意識上に乗せることができなかっただけの話なのかもしれません。

自分の手で、「ベッドに仰向けに寝ている自分と室内の様子」を描けばよかったんですが、どうせ上手に描けません。それで「病院　ベッド　ヘルメット（装置イメージの代用）」などというようなプロンプトを使って、とりあえず手に入れたのが、ヘルメットをかぶってベッドの上で上半身を起こしている写真でした。


私は異世界にいて、ジリ・レーンを探し始め、いろいろな場所へ行き、いろいろなことをやったのですが、目が覚めたときには、具体的なことは何も覚えていなかったという内容の話を書いたのでした。

もしかして、私もJackie Februaryの「中の人」も「異世界からの転移者」で、でも「なぜ転移してきたのか、その目的が自覚できずに、物質界での違和感に耐えながら生きている・・・・」、などということがありえるのでしょうか。

英米系のスピリチュアル運動に詳しい人なら、「ああ、そういうタイプの、ほかの星から地球にやってきた人々の話なら、英語圏の人びとがよく語ってるよ」と答えるでしょう。

そういう界隈における古参的有名どころの人物、ドロレス・キャノンの言葉を借りるなら、インディゴ・チルドレンから始まる地球転移者たちの苦闘の物語の一部として、今回の不思議な体験も大きな物語の枝葉として包摂化も可能でしょうが、ほんとのところはどうなんでしょうねえ。

彼女によれば、インディゴ・チルドレン、すなわち第一波の宇宙からの来訪者たちは、1960年前後から地上に生まれ始めるが、彼らの一生はものすごく苦労の多いものとなると語っていましたね。次の世代、第二派世代、第三派世代の来訪者たちは、インディゴ・チルドレンが敷いた道あるいは経験によって、それほど苦労しなくて済むようになるとも。

とはいえ、私はシュタイナー学徒ですので、英語のスピリチュアルという言葉には多少反感を持っています。ドイツ語圏ではスピリットとは物質を希薄化したものを指し、こんにちでは酒精などの意味で使われることが多いとシュタイナーは書いていました。近代ドイツ語圏では「そういう扱いの言葉」を、英語圏の人びとは近代になったとたん「霊」を指す言葉として使うようになったのです。

霊・精神を表すドイツ語はガイストですが、英語も近代以前、２００年前までは、英語版聖書においてゴーストを「霊・精神」の意味で使っていたのです。いわゆる「ホーリー・ゴースト」、聖霊ですね。今日、近代口語訳英語版聖書で説教を行っている人々は、かつてholy ghostという言葉で教えていた「対象」を、holy spiritという言葉に「置き換えて」教えています。

ガイストもゴーストも同じ語源から派生した由緒正しき古代世界由来の言葉です。つまり英語圏の人びとはすでに「霊」を指す「本来の古語」を喪失しているのです。そして語源的には、どこか物質的なニュアンスを感じさせるスピリットという言葉を世界中に普及させました。そしてその由来を知らない不思議大好き系日本人たちも、スピリチュアルという「カタカナ言葉」を何の疑問も感じずに使っています。日本人も「霊」と聞くと「幽霊」を連想するようになっています。しかも近代人は「霊」と「魂」の区別もできなくなっています。幽霊を指すドイツ語はガイストではありません。しかし日本人も英米人も、幽霊と霊をもはや区別できません。


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心霊主義(スピリチュアリズム)

唯物論が頂点を迎えた１９世紀中葉に、英米の結社が物質的な方法で霊を証明しようとした試みで、霊は高次の自然にすぎない、と思い込ませる。秘教的知識を広めたくない人々と、その知識を大衆化したい人々との妥協の産物である。(『シュタイナー用語辞典』)

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こんにち「スピリチュアル」という言葉は１９世紀の時代よりもずっとカジュアルな受け止められ方をするようになっています。英語で言うところの「スピリチュアリズム」は、もともとは「幽霊の実在の科学的手段による証明運動」として始まったものですが、「音声的」に関連する「スピリチュアル」という言葉は今や完全に「市民的」になっています。

そもそもキリスト教徒は人間は魂と肉体からできており、霊のように見える活動も散見される、というような認識をキリスト教思想の根幹に据えています（もちろんキリスト教も古代には霊・魂・体の三つを教えていたのですが、ニケーアの公会議で、人間から霊の要素を取り除いたのです）。つまり人間は魂的存在ではあっても、霊的存在ではない、と言っているわけです。霊は神霊存在、天使存在が有しているものなのです。あるいは霊の部分は教会が担うということになりました。

英語は物質的な事象を表現するには最適な言葉となりました。こんにち世界に流通しているコンピューター言語は「英語」をもとに作られました。この唯物論の時代に「英語が世界を支配している」のは、偶然ではないのです。ゴーストリーという英語はありますから、霊学という意味でなら、ゴーストリー・サイエンスとでも言いたいところですが（ghosticという単語も存在するようですが一般的ではないようです）、そんな用例は近代には存在しません。日本語の「霊学」に当たる実際の用例は、ドイツ語＝Geisteswissenschaft、英語＝spiritual scienceです。でも２００年前、近代にイギリス人たちが「ゴーストの本来の意味」を「喪失」しなかったなら、あるいは ghostly scienceという言葉がspiritual scienceの代わりに使われていたかもしれないということです。

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あれ、また「いらんこと」を延々としゃべりはじめそうになってる。なので、今回は「地球転移者」をテーマに記事を書いたんだということをも一度強調して本稿を終えようと思います。


P.S. 「ジリ・レーンに会え」では、「右目前にだんだん楕円状に拡大していくポータルのようなものから異世界へ移動した」という趣旨の話をしましたが、アマゾンプライムで始まったばかりの秋アニメ「素材採取家の異世界旅行記」の第一話を見たら、物語の冒頭部に、同じようなイメージを喚起させるシーンが出てきて、「またまたシンクロニシティじゃん」とびっくりしてます。(2025-10-19追記)

これはLILO動画のことではなく、一般論だけど、画像を見ながら、楽曲を聴くと、広い非物質空間へ移行することを遮断されるような気分になる。昭和時代のような、「喚起されるイメージ」はそれぞれの聴き手が「自分で作っていた」時代、ラジオから流れて来る楽曲のみに集中して聴くというスタイルだった時代は、「自分の空間」に移行することが容易だったよね。楽曲だけで、「自分固有のイメージ空間」に移行していた。それは多くの場合、具象的像ではないけれど、確かにみな、そういう「別世界空間」「印象空間」（ある意味、霊界のような？）に飛んで行ってたはずなんだよね（総合芸術、演劇や舞踏・ダンスとか映画の構成要素としての音楽体験の話はしてないので、誤解なきよう願います）。

さて、LILOの動画を見て、沸き起こった「連想」とは、当ブログでもたびたび言及していたバーバパパの動画のひとつだった。




「ああ、なるほど。二つの動画があなたの中で〈つながってしまった〉のは、分かるような気がする」とおっしゃる方も、もしかしたらおられるかもしれない。

あるいはLILOを作ったPine Barons自身が、この動画から着想の一部を得ていた、などということがあったなら、それはそれでかなり面白いことだよなあと思うのだった。

楽器を弾く人にも二種類いると思うんですよ。

ひたすら技術を磨くために練習に励むタイプと、創作つまりオリジナル楽曲制作の手段として楽器を弾くというタイプ。

クラッシック音楽の世界では前者側の人が圧倒的だと思いますが、ポピュラー音楽の世界ではむしろ後者的なマインドの人が多いんじゃないかと思います。特に７０年代以降、シンガーソングライターという立ち位置の音楽家たちが日本でも登場するようになって以降はますますそうなったと思うんです。

私の場合、中学３年の時、フォークギターを手に入れて以来ずっと、後者のタイプでした。

だから他人に「何か弾いて」と言われると、ものすごく困ってしまってました。そういうことをほとんどやらなかったからです。

楽曲を完成させようと決意すると、コピー曲にしろ、オリジナル曲にしろ、アコギ、エレキギター、ベース、キーボード全部練習しなけりゃならなくなって、なんとか通しで弾けるようになったら、MTRに録音してミックスダウンして終了です。１週間もしたら、忘れて弾けなくなってました。

なので一発芸的デモンストレーションをするのが嫌で、しかも基本、私の演奏能力は低いので、なるたけそういう界隈には関わり合わないような、音楽とのかかわり合い方をしてました。

もちろんいろんな楽曲を練習（コピー）しましたが、それはコード進行（楽曲の全体像）を学ぶためでした。

作詞作曲そして歌唱の領域に到るまで、いまやAIが「高品質」な「製品」を際限なく生み出せる時代になってます。

「ああ、まさに〇〇っぽい、いい曲だね」的展開です。AIは過去に存在したさまざまなジャンルの楽曲を、「高品質」かつ「のようなもの」として吐き出してくれます。

とはいえ、音楽鑑賞におけるライトユーザーにとっては、「今流行っているもの」に接近できればそれでいいのだと思います。AI楽曲がバズれは、面白がって聴くでしょう。そしてすぐに忘れるのです。

２０年後３０年後の「彼ら」は、その音楽体験を「大切な思い出」として思い出すこともないのです。「〇〇の曲」ではなく、「〇〇みたいな曲」では、当然訴求力は落ちます。

そもそも２１世紀に入ってからは、「流行歌」のオリジナリティは２０世紀のものと比べものにならないくらいに質が落ちているのではないかと思います。

特に日本では「いい声」（個性的なのに魅惑的）で歌う歌手がいなくなりました。

楽曲自体の個性に関しては、たとえば「バック・トゥ・ザ・フューチャー」でチャック・ベリーの楽曲をマーティ経由で聴いたプロのミュージシャンたちが、「その新しさ」にどぎもを抜かれている様子が描かれてましたが、５０年代以降、ポピュラー音楽は、次々と新しい音楽要素とリズム構成の刷新の提示の連続で、本当に当時のリスナーたちは、日々感激の連続を体験することができました。「その新しさに鳥肌が立つ」というのは、修辞句ではなく、ほんとに多くの人たちが、鳥肌を立てて感激していたんです。

当時は、こんにちのような、「〇〇のようなよくあるタイプの曲だし、特に感激もしない」という連想が湧き出るようなリスナー体験とは異なった音楽体験をすることができた時代でした。

クラッシック音悪の世界で、さまざまなモードの変遷の果てに「既存のもの」を超えようとする営みの果て、「現代音楽」が奇矯でますます難解なものになってしまい、「一般庶民」からそっぽを向かれるようになったように、「モードの更新」が「みんなの感情」を強烈につかまえるような、過去には当然繰り返されてきたような状況が「流行歌の世界」においても失われてしまっているわけです。もっともポピュラー音楽の場合は「難解さ」ではなく「既視感ならぬ視(聴)感による恒常的非感激化」によるのでしょうが。

みな「今の新曲は〈新しくない〉（モード的に新しい感激体験をもたらしてくれる何かを持っていない）」よね」と感じてますが、別に大声で言わないだけです。

ここ２，３０年来、人間の制作による「のような楽曲」が量産される状況がすでにずっと続いてきたのです。英米の音楽だって同じです。以下「現代の音楽が同じような音になりつつある本当の理由」日本語字幕でどうぞ。






ポピュラー音楽のモード的変遷への試みは、アイデア的にも汲みつくされてしまいました。次々と「これまで聴いたことがない音楽なのにとてもいい」と人に感じさせてくれるような「新曲体験」を現代の聴衆は「体験」することができなくなりました。

そして、業界で食っている生きた人間たちが「のような楽曲」を量産しながら、糊口を凌ぐ時代が始まりました。そして今度は「彼ら」に代わって「仕事」をAIに代行させて、「権利」は「実在の人間名義」で発表する時代の到来です。

すでにひそかにそういうことが起きているんじゃないかと思います。つまりまずAIに作らせて、あらためて「実在の人間」がその曲の一部をパクったり、カバー曲を制作し、スポティファイなどに登録する。

でも、人は（特に一般庶民たち）は、AI(＝「のようなもの製造機」)で曲を作るなどという「めんどうなプロンプト作業」を「喜び」を持ってやるでしょうか。

「喜び」がなくとも、それができる人がいるとしたら、それを「（市場で対価が生まれる）仕事」として扱う心理的な準備ができている人たちでしょう。

楽器を弾くのは（弾けるようになった人なら分かると思いますが）、楽しいのです。そのうえ、皆で集まって合奏、あるいはバンド演奏をするとなお楽しくなります。

歌を歌うのは楽しいのです。それで二人三人四人と集まって、ハモったりすると、頭蓋骨の内部でそれぞれの出す音がぶつかってザラザラと振動して、えもいわれぬ喜び（感激）が沸いてきます。

「これらアマチュアミュージシャン系庶民たち」は近代の貨幣経済のなかでは、もっぱら流行歌に金を払って消費する側でした。けれども、一方で「生身の身体」を使って「音楽体験をする」ことに喜びを感じることのできる人々でもあります。

今カントの『純粋理性批判』を「自発的」に読んでいる中学生は、日本のどこかに確かにいるでしょうが、それは多数派ではありません。

同じように「売り物」の音楽としては、多くの人は、求道者のごとくに自分から未知の楽曲（名曲）を求めて、ネット世界を渡り歩くハンター系ではないでしょう。特に若い層は、「今皆が聴いているから自分も聴いている」的接し方をしている人が多いと思います。

「売り手（企業）」側は、とにかく売れること（数字を取ること）が至上命令ですから、「うんちく豊富で、こだわる聴き手」なんぞは、邪魔で厄介な存在でしかないでしょう。日本の企業文化もますます唯物論寄りに変質しました。握手券を入れると売り上げが爆増するなら、もちろんやるでしょう。企業の目的は「利益の最大化」などという英米系プラグマティズムが流布させた「迷信」を優等生的に反芻し、そのときそのときだけの利益の最大化のために奔走するに決まっているのです。企業人にとって「音楽文化」はもはやどうでもいいからです。

「歌は世につれ、世は歌につれ」という名台詞も、ここ日本においては、かつてのようには「実態」を持っていません。もはや「流行歌」（多くの国民が老若男女問わず知っている歌のことです）は「存在」していません。

DTMが楽器を弾けない人にも作曲の道を開いたなどと言う人もいますが（それは多分に売り手側、つまり企業の販路拡大のための方便として、リップサービスをしていたにすぎないと思います）、DTMから音楽制作に入ってきたとしても、その人がほんとにいろいろ極めたかったら、「本物の楽器」をいじって経験値を増やしたいと思うようになるんじゃないかと思います。

楽器をいじったことのない人が、本当の楽器体験をしないまま、若い頃に始めて以来、ずっとDTMだけの作業に５０歳６０歳になっても従事しているなんて、私にはほとんど信じられないことです。

そんな人いるんでしょうか？

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さて、とりとめのない話になってきたので、このへんで「愚痴っぽい」ことは（だって、だからと言ってどうにもならないんだもの）終了したいと思います。

サカナクションの山口一郎の動画が、なかなかよかったです。





前回の投稿で言及していましたが、かつて(YouTubeがGoogleに買われる以前に)YouTubeに挙げていて、YouTube傘下に入ったとき削除してしまった楽曲をも一度アップしました。よかったら聴いてやってください。シュガーベイブ・オマージュです。